Action For Women è un  concorso cinematografico per aspiranti registi sul delicato tema della “Violenza contro le donne”.

Ogni giorno molte donne nel mondo sono vittime di atti di violenza di vario tipo, dagli abusi sessuali, alla violenza domestica, allo stalking, alla discriminazione socio-culturale. La maggior parte di queste violenze non vengono denunciate per vergogna o timore, ma rappresentano una piaga per la nostra società civile.

Il Consiglio d’Europa e la Camera dei Deputati Italiana sono impegnati in una campagna di sensibilizzazione su questo problema, che valica i confini geografici e quelli socio-culturali e il concorso ne fa parte.

Se sei un aspirante regista, partecipa al concorso caricando un tuo cortometraggio: potrai mostrare le tue doti artistiche ai protagonisti della cinematografia internazionale ed aprire la strada alla tua carriera! Una giuria di esperti composta, tra gli altri, dai registi Jago Van Dormael (Presidante di Giuria), Giuseppe Tornatore, Francesca Comencini, Roberta Torre, Renata Litvinova e dal critico cinematografico Enrico Magrelli, valutarà le opere in concorso scegliendo i finalisti che saranno poi votati dal pubblico di YouTube!

Il cortometraggio vincitore del concorso verrà premiato con una proiezione speciale durante la 67a Mostra Internazionale del Cinema di Venezia 2010.

Il concorso è aperto agli agli utenti maggiorenni residenti in ITALIA, GRAN BRETAGNA, FRANCIA, SPAGNA, GERMANIA, RUSSIA, POLONIA, PAESI BASSI, SVEZIA, IRLANDA E REPUBBLICA CECA

[youtube]http://www.youtube.com/watch?v=5HwD2Yb8reQ&feature=player_embedded[/youtube]

Per ulteriori informazioni: http://www.youtube.com/actionforwomenit

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Ci siamo. Fan degli Abba è il vostro momento: finalmente è uscito Mamma Mia!, il film che riprende uno dei musicals più amati di tutti i tempi, rappresentato in 170 paesi e visto da 30 milioni di persone. L’attesa era tanta, soprattutto perchè, nonostante il successo mondiale, Mamma mia! in Italia non è mai andato in scena. Diretto da Phyllida Lloyd, regista inglese che ha guidato la versione teatrale per una decina di anni, il film è vivace e frizzante; una travolgente ventata di allegria capace di coinvolgere anche chi, negli anni 70, arricciava un po’ il naso nell’ascoltare i mitici Abba, ora invece tanto rivalutati da essere entrati perfino nella Treccani.

Venti tra le più belle canzoni del gruppo svedese, tra cui Dancing Queen, Money Money Money, The Winner Takes It All, diventano parte integrante di una storia fantastica raccontata con sorprendente energia e ritmo trascinante.

Donna (Meryl Streep), dopo aver passato gli anni della gioventù in modo libero e battagliero, gestisce un albergo su una piccola isola greca. La figlia Sophie, ventenne, in procinto di sposarsi, vorrebbe invitare al matrimonio il padre che non ha mai conosciuto. In un turbinio di incontri, scontri, fraintendimenti, chiarimenti e risoluzioni, si svolge, di fatto, quasi sempre in musica e con toni da spettacolo leggero, il confronto sul modo di affrontare la vita affettiva da parte di due diverse generazioni (madre e figlia).

Nel cast svetta una straordinaria Meryl Streep, che canta e balla senza sosta nonostante i suoi 59 anni, contornata da un gruppo di attori ( Julie Walters e Christine Baranski, Amanda Seyfried, Pierce Brosnan, Stellan Skarsgård e Colin Firth) altrettanto impegnati in una prova di grande livello.

I colori, le luci e i suoni sono fantasiosi e sfavillanti; il tuffo nei 70th è assicurato da giubbini attillati, zeppe, pantaloni a zampa di elefante e da un’atmosfera che strizza l’occhio con benevolenza alle tematiche di amore e libertà care a hippies e figli dei fiori.

Da vedere. Chi ha amato gli Abba non potrà non rimanerne incantato. Chi non li conosce potrebbe avere una piacevole sorpresa e chi non li apprezzava negli anni 70 potrebbe sempre cambiare idea.

Guarda il trailer del film:

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Tratto da uno dei libri cult del momento, “Nelle terre estreme “di Jon Krakauer (268 pag., € 16,60, Corbaccio Ed.) , Into the wild  racconta la storia (vera) di Chris McCandless, un ragazzo americano che nel 1990, dopo essersi brillantemente laureato presso l’Emory University di Atlanta, e con un promettente futuro davanti a sé, rinuncia a una vita “normale” abbandonando tutto e tutti e parte per cercare una rinascita interiore che crede sia possibile solo con il contatto diretto della natura.

Nel corso del viaggio, durato due anni, Chris cerca disperatamente di comprendere se stesso ed il posto che dovrebbe occupare nella società; fugge dalla famiglia, brucia soldi e averi, pronto ad intraprendere un viaggio che lo allontanerà da una società consumistica, impietosa e violenta, in cerca di una pace interiore ed esteriore, con una precisa meta finale… l’Alaska, simbolo immaginario di una vita estrema e autentica.

Il film è stato fortemente voluto da Sean Penn, attore e regista che, dopo essersi scrollato di dosso l’ingombrante etichetta di ex marito di Madonna, prosegue la sua carriera con scetle artistiche a volte sorprendenti.

In veste di sceneggiatore, regista e produttore del film, Penn, dopo aver atteso per ben 10 anni i diritti per poter realizzare la versione cinematografica del libro di Krakauer, ha focalizzato la sua attenzione soprattutto sul tema della fuga, da se stessi e dagli altri, e sul raggiungimento della conoscenza di sé, ottenuta estraniandosi dal proprio habitat per diventare parte di una natura pura e incontaminata.

Con il contributo di una fotografia di ottimo livello e di una colonna sonora – firmata da Eddie Vedder, Kaki King e Michael Brook – capace di emozioni profonde, Into the wild  è un film che ci costringe a riflettere sul significato dell’esistenza e sull’importanza del confronto con se stessi e con l’altro, e ci induce ad un analogo processo di consapevolezza interiore.

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 Across the Universe                               

Un film visionario, colorato e sorprendente. “Across the Universe” è una storia d’amore ambientata negli anni ‘60, nelle spazio tra i cantieri navali di Liverpool e il Greewich Village della Grande Mela.

Il periodo è quello della contestazione, delle battaglie per i diritti civili, delle sperimentazioni psichedeliche; passano sullo schermo la povertà dei sobborghi inglesi e le contraddizioni  della società americana degli anni Sessanta, il modo di vivere degli Hippie, gli scontri generazionali e lo scempio provocato dalla guerra in Vietnam.

Il protagonista, Jude (tutti i personaggi portano nomi legati alle canzoni dei Beatles), da Liverpool sbarca a New York alla ricerca del padre che non ha mai conosciuto. Incontra Max, studente benestante che rifiuta a suo modo il conformismo di una famiglia “per bene”, e si innamora di Lucy, sua sorella.

Jude e Max vanno a vivere in un appartamento organizzato come una comune, vivono le esperienze tipiche dei figli dei fiori, passano in mezzo ad alcool e droga, ma nello stesso tempo maturano una coscienza pacifista che li porterà ad affrontare dure battaglie per la pace e la giustizia sociale.

E’ sorprendente come 33 canzoni dei Beatles, a partire dalle più colte e dense di significato fino a quelle più banali, riescano a costruire perfettamente la storia: si prova quasi l’impressione che le canzoni siano state scritte appositamente per il film, e non viceversa. Quasi tutti i pezzi sono stati registrati in presa diretta e sono cantati (molto bene, per altro) dagli stessi attori.

Bravo Jim Sturgess, protagonista molto beatlesiano anche nell’aspetto; Evan Rachel Wood, nei panni di un’evanescente adolescente americana è convincente sia come attrice che come cantante. Insieme a loro si muovono molti altri illustri comprimari: da Bono Vox nella parte del Doctor Robert a Joe Cocker, che esegue una bellissima versione di “Come Together, ” a Salma Hayek, infermiera che cura amorevolmente i soldati reduci dal Vietnam.

Julie Taymor, regista di altri musical a Broodway, dirige questo film con originalità, ironia e una visione psichedelica (ma forse anche per questo fedele) degli anni 60.

Ci piace perchè: è un film creativo e originale, ricco di effetti, colori, immagini. Le canzoni dei Beatles fanno il resto.

Consigliato a:  chi conserva ancora oggi la passione per i Beatles. Un fan del quartetto di Liverpool non può lasciarsi scappare questo film;  chi conosce a fondo le canzoni resterà stupito dalla quantità di riferimenti (frasi, nomi, citazioni) al mondo dei Beatles che si incontrano lungo tutto il film.

Tutti gli altri, che non conoscono o conoscono solo in parte le canzoni, potranno godere comunque di uno spettacolo di grande livello.

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Titolo originale: Hairspray    
Regia: Adam Shankman
Sceneggiatura: Leslie Dixon
Fotografia: Bojan Bazelli
Musiche: Marc Shaiman
Montaggio: Michael Tronick

Anno: 2007
Nazione: Stati Uniti
Distribuzione: Moviemax
Durata: 91′
Data uscita in Italia: 28 settembre 2007
Genere: commedia

Partiamo dal 1988, dal regista John Waters che dirige “Hairspray”,  film in cui riflessioni sull’amicizia e sulla diversità sono legate a una trascinante colonna sonora con un risultato piacevole e divertente. Nel 2002 dal lavoro di Waters viene tratto un musical di grande successo, ed ora  ritroviamo nuovamente al cinema “Hairspray” in un remake di tutto rispetto. Il regista questa volta è Adam Shankman, ex ballerino ed ex coreografo che dirige un cast d’eccezione in modo lineare e senza cedimenti.
La storia è quella di Tracy, cicciottella e determinata ragazzina di Baltimora che desidera sopra ogni cosa  partecipare come ballerina al programma televisivo Corny Collins Show. Incoraggiata dai genitori  a seguire i propri sogni, Tracy arriverà a ballare nel suo programma preferito, troverà l’amore e contribuirà a far crescere negli altri la presa di coscienza del problema dei “diversi”.
L’evocazione  degli anni 60 è vera, sentita e perfetta, gli abiti bellissimi, i balletti trascinanti.  Il film risulta leggero ma non superficiale, sopratt < utto nel trattare il problema dell’integrazione razziale e della diversità. Nel finale bianchi e neri, grassi e magri ballano insieme, superando molte barriere.
Bravissima la protagonista, Nikki Blonsky, che balla come avesse 20 chili di meno, coadiuvata da un John Travolta trasformato in una casalinga mite quanto  grassa, Cristopher Walker ,nei panni di  un papà eternamente sulle nuvole e Michelle Pfeiffer,  algida e secca direttrice della stazione tv locale. Quasi due ore di divertimento e bella musica. Andatelo a vedere.

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Titolo Originale: I’M NOT THERE
Regia: Todd Haynes
Interpreti:  Christian Bale, Cate Blanchett, Richard Gere, Heath Ledger, Julianne Moore, Charlotte Gainsbourg
Durata: -
Nazionalità: USA 2007
Genere: musical

 
Un film molto particolare, stilisticamente molto variegato e frammentario, caleidoscopico e sorprendente. Presentato a Venezia, ha conquistato il Premio Speciale della Giuria.
 Il regista Todd Haynes , con la collaborazione ed approvazione dello stesso Dylan, ha creato  un’opera sperimentale, un fantasmagorico collage di immagini che  analizza i vari aspetti della personalità di Bob, facendoli interpretare da più attori diversi  tra cui anche  una donna (Cate Blanchet).
E’ follia allo stato puro, immagini in bianco e nero seguite da stupendi tramonti e colori sfavillanti. Non è assolutamente lineare ma Bob Dylan lo è mai stato? Prima acceso ribelle, poi poeta decadente ed infine fervente religioso e ancora attore emergente, cantante folk e quindi traditore del folk. Non esiste uno spazio temporale quando si parla di Dylan: ci sono psicosi, attimi di allegria, tristezza, apatia. L’idea di seguire le orme del cantante attraverso fisionomie diverse è pressochè geniale: Dylan è stato un trasformista di se stesso e ha sempre usato la sua poesia per definire il proprio stato d’animo.
Da segnalare la magnifica interpretazione di Cate Blanchett, giustamente premiata con la Coppa Volpi.

Ci piace perchè: affascina e colpisce, sconcerta e commuove.

Consigliato a:  sicuramente alle fans del di Bob Dylan, che ne potranno seguire le svolte professionali e umane (la contestata svolta elettrica, l’esordio cinematografico con Peckinpah, la crisi mistico-religiosa del controverso album “Saved”). A tutti quelli che amano il cinema che sperimenta nuove tecniche e non rimane mai uguale a se stesso.

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Un film di Jonathan Dayton, Valerie Faris
 Con Greg Kinnear, Toni Collette, Steve Carell, Paul Dano, Alan Arkin, Abigail Breslin, Mary Lynn Rajskub.
 Genere Commedia, colore, 101 minuti.
 Produzione USA 2006.
Ironico, divertente, intelligente e mai scontato: ecco “Little Miss Sunshine”.

La storia è quella di una strampalata famiglia americana che vive una vera e propria avventura, ai limiti del demenziale,  nell’accompagnare la piccola  protagonista Olive ad un fantomatico concorso di bellezza, “Piccola Miss California”.
Realizzare il sogno della bambina diventa una priorità assoluta per tutto il gruppo che,  in viaggio su un vecchio e scalcagnato pulmino, tenta in questo modo di riscattare ed affermare l’identità di ognuno.
La leggerezza con cui viene delineato ogni personaggio non scade mai nella banalità o nella volgarità che spesso si ritrova nelle commedie  americane: il padre è un convinto assertore della ricerca del successo, tanto da vedere ossessivamente il mondo sempre diviso in vincenti e perdenti; la mamma non risponde sicuramente ai canoni di donna chioccia-apprensiva a cui siamo abituati; c’è un fratello adolescente che ha fatto il voto di non parlare finchè non riuscirà ad entrare all’Accademia Aeronautica: uno zio gay professore di filosofia; un nonno cocainomane che insegna alla nipote un numero di spogliarello e per di più ha la pessima idea di morire proprio durante il viaggio. E poi c’è lei, Olive, bambina non particolarmente dotata dal punto di vista fisico, che si ritrova, una volta giunta al concorso, proiettata in un ambiente descritto con graffiante ironia nei suoi aspetti più fatui e superficiali. Olive potrebbe rimanere per tutta la vita traumatizzata dal proprio aspetto fisico e dal proprio peso, assolutamente non in linea con i requisiti richiesti al concorso, ma la sua famiglia le si stringe intorno, trasmettendole con allegria la consapevolezza, che tutti pian piano maturano, dell’inconsistenza di quel tipo di mondo.

Ci piace perché:  Si ride e si sorride molto nel vedere questo film. Le situazioni esilaranti si succedono irresistibilmente a battute che fanno riflettere. Un divertimento intelligente per tutti.

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Le donne vere hanno le curve

Titolo originale:  Real Women Have Curves
Nazione:  Usa
Anno:  2002
Genere:  Commedia/Drammatico
Durata:  90′
Regia:  Patricia Cardoso

Titolo stuzzicante ma soprattutto programmatico per almeno la metà del genere umano femminile.
Infatti, questo film oltre ad essere bello, interessante, pieno di cose, è anche liberatorio e propositivo per tutte quelle donne che non rientrando nella taglia 42 credono di essere brutte, non desiderabili. Invece la grande e semplice verità è proprio quella di accettarsi e volersi bene così come si è.
La storia di Ana, teenager ispanoamericana di prima generazione (cioè nata in America) è paragonabile alla storia conflitto con la propria madre di numerosissime altre ragazze in ogni parte del mondo. Se poi si aggiungono problemi di identità con la cultura di provenienza viene un mix esplosivo che in questo film è tenuto sempre sotto controllo senza tacerne la durezza e sofferenza.
Tante situazioni sociali vengono esplorate senza toccare mai toni melodrammatici: il lavoro nero, le minoranze etniche, i pregiudizi, i valori tradizionali.
Forse è il sorriso aperto ed ottimistico della interprete che permea tutto e tutti. Perfino nel lavoro duro e senza fine di sartoria Ana riesce a far emergere l’elemento positivo, proprio nell’universo tutto al femminile che diventa il simbolo della donna latinoamericana, con i suoi valori tradizionali che non riescono a aprirsi nella società che le ospita.
Con queste premesse è ovvio che il film offrirà soluzioni positive, e questo è giusto perché quello che vuole offrire è proprio la ricerca delle ricchezze non solo economiche che si aprono di fronte ad un mondo troppo chiuso che deve confrontarsi con la realtà diversa ed ricca di stimoli specie per chi nasce nella nuova patria.
La regista colombiana Patricia Cardoso laureata in archelogia e antropologia, negli Stati Uniti dal 1987 in seguito all’ottenimento di una borsa di studio della Fondazione Fulbright (prima colombiana a ricevere una borsa di studio in cinematografia). Ha tratto la sceneggiatura da una commedia della messicana Josefina Lopez che si è ispirata ad esperienze personali. Il cast tutto ispanoamericano bravissimo e misurato, trova nelle due interpreti principali (la madre e la figlia) attrici premiate per questa loro prova, al Sundance Festival del 2002. con il PREMIO DEL PUBBLICO E PREMIO DELLA GIURIA.

(Laura Modini)
tratto da http://www.lucreziamarinelli.org/

Ci piace perchè:

Rappresenta in pieno il nostro modo di vivere

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